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Fotos en la jornada de puertas abiertas del Pabellón Mies Van Der Rohe

Estas fotos las he tomado esta mañana en Barcelona en el Pabellón Mies Van Der Rohe, que estaba abierto al público por la celebración de su treinta aniversario. Si quieres verlas en carrusel, puedes acceder al álbum de Flickr>> https://flic.kr/s/aHskBK1uip

Mientras tanto, sigo trabajando en algunas historias que verán la luz muy pronto. Si quieres recibir noticias, sigue el blog, o mi perfil de Twitter.

VanDerRohePabellon

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Con una gota de tinta

Se supone que los materiales de arte son caros, pero en realidad puedes hacer muchas cosas con un par de gotas de tinta china y agua (y papel del malo):

Experimentos con tinta china. | Experiments with Chinese ink. #dailydoodle #doodle #owl #chineseink

Una foto publicada por Nadia (@nadiaorenesruiz) el

Me gusta la tinta china y su indiscutible negrura.


¿Qué es InkTober?

Fuente: http://mrjakeparker.com/inktober

Fuente: http://mrjakeparker.com/inktober

Quizás estos dias hayas visto algún tweet por ahí con el hashtag #inktober. O quizás no.

Yo lo vi, hice clic en él, y descubrí esta iniciativa en la que han participado miles de artistas profesionales y amateur desde que en 2009 la promoviera un tal Jake Parker en su web.

La premisa es sencilla. Cada día del mes de octubre creas un dibujo a tinta, lo publicas donde quieras (en tu blog, Twitter, Facebook, etc.), y lo marcas con el hashtag #inktober.

No importa quién seas ni cómo sea tu nivel de destreza. Tampoco tu estilo. El objetivo es promover buenos hábitos y fomentar la creatividad. También, si un dibujo al día te parece demasiado, puedes sumarte a la versión más light del evento y postear solo uno a la semana. O lo que puedas.

Ahora quizás te estés preguntando: ¿para qué me sirve a mí esto, es que no puedo dibujar cuando a mí me dé la gana y con los hashtags que yo quiera?

Pues sí, pero yo diría que sumarte a esta iniciativa supone algunos puntos positivos: 

  1. Puedes seguir el ritmo que quieras. El evento no está planteado de manera que tengas que cumplir con plazos rígidos de entrega. Cada uno participa en la medida que quiera o pueda. No hay éxito o fracaso, solo un recorrido.
  2. Los hashtags ayudan a que tu trabajo gane visibilidad, y articulan tu trabajo en torno a una especie de proyecto común. Es posible que haya gente que comparta tu trabajo, y que hasta te dé feedback. Todo esto puede motivarte para continuar trabajando.
  3. Descubrirás el trabajo de otras personas (algunos profesionales, otros que están aprendiendo), que te inspirará y te ayudará a aprender.

Descubre ilustraciones increíbles

Te recomiendo que hagas alguna búsqueda en Twitter o en Instagram de los hashtags asociados al evento.

Me hace gracia encontrarme de vez en cuando con algún dibujante de DC o Marvel, como en este tweet que encontré ayer:


Pero lo que más me impresiona es la cantidad de ilustradores increíbles que hay más allá de los nombres famosos. La gente se lo curra muchísimo.

En fin, espero que este post le haya dado un empujoncito a tu creatividad, y sobre todo, que el evento te ayude a encontrar nuevas fuentes de inspiración.


El día en que aprendí a aplicar texturas con Photoshop

Una de las desventajas de ser autodidacta en cualquier campo del conocimiento es que si no cuentas con una buena guía, puede que no seas capaz de jerarquizar las diferentes materias según su importancia.

Hasta hace poco me limitaba a crear ilustraciones con colores planos, no tanto porque fuera mi estilo favorito, como porque era incapaz de recrear texturas.

mis-ebooks

En estas ilustraciones apliqué lo que sabía hacer en aquel momento, aceptando mis limitaciones y sin preocuparme demasiado por lo que no sabía hacer. Las texturas en concreto siempre han sido algo que daba por sentado que no tenía la práctica ni los conocimientos necesarios para aplicar con éxito.

Los pinceles, por ejemplo, eran para mí algo que siempre había estado ahí, pero que por alguna razón, nunca me había sentido legitimada para utilizar más allá del uso de los dos o tres tipos más básicos.

Hasta que un día me dio por explorar el panel de pinceles de Photoshop más en profundidad.

Primero los fui probando todos sin ningún propósito específico, y luego intenté simular los efectos obtenidos por diseñadores profesionales en sus ilustraciones.

Pronto me di cuenta de que mi desconocimiento en este campo me había estado bloqueando todo un mundo de posibilidades. Los diseños con colores planos están bien, pero a veces es bueno variar el estilo, y según en qué casos, las texturas son necesarias para conseguir un resultado profesional.

Mira en este ejemplo (de un dibujo de un proyecto en el que estoy trabajando) la diferencia entre un dibujo hecho con un solo pincel básico, y otro en el que amplié mi repertorio:

texturas-sin-texturas

Por si te sirve de guía, a continuación listo algunos componentes que he ido incorporando a mis diseños, y que están relacionados con todo esto de las texturas:

1. Los pinceles

En mi opinión, el panel de pinceles de Photoshop es muy mejorable. Creo que este menú es menos accesible que los demás, sobre todo cuando te propones realizar acciones un poco más avanzadas, como crear tus colecciones de pinceles o ajustar la configuración para sacar partido a las posibilidades que ofrece el stylus de una tableta gráfica.

panel-pinceles-photoshop

Y todo esto, solo para configurar un pincel, señores.

En resumen, que hay que experimentar y buscar información por ahí para familiarizarse con la nomenclatura (que si “shape dynamics”, que si “angle jitter”…), e identificar los pinceles realmente útiles.

2. Usar un lápiz sensitivo a la presión

En relación con el punto anterior, otra cosa que a los diseñadores profesionales probablemente les enseñan en el parvulario, es a configurar los pinceles de manera que el trazo varíe según la presión ejercida sobre el stylus de la tableta gráfica.

Fíjate en esta bota, en cómo los trazos toman una forma más natural y dinámica gracias a un pincel que varía su grosor según la presión ejercida sobre el lápiz:

grosor-variable

Y ahora fíjate en este horrible dibujo mío que probablemente te causará pesadillas esta noche, pero que también es bastante ilustrativo de este efecto.

grosor-pinceles

3. Las imágenes de texturas

El otro día me puse a ojear unos álbumes ilustrados de Dave McKean. Lo que más me impresiona de este ilustrador es su dominio de las texturas.

Fuente: www.mousecircus.com

Fuente: www.mousecircus.com

Cuando analizas la obra de un profesional, te das cuenta de que la única manera de llegar a un resultado así es empleando una buena dosis de intuición, construyendo a base de prueba y error, pero también contando con un repertorio de recursos amplio.

Por eso creo que es importante contar con un buen archivo de imágenes de texturas que puedas aplicar de manera ágil.

Al principio siempre buscaba las imágenes de texturas en Google, pero últimamente he ido creando mi propio archivo para no tener que preocuparme de los derechos de autor.

Cuando quiero mejorar mi archivo, solo tengo que irme con la cámara por ahí a cazar texturas interesantes (a veces no tengo ni que salir de casa), y luego etiquetarlas y almacenarlas como me sea más cómodo.

Luego, para aplicarlas, importo el archivo en Photoshop, y me pongo a hacer el tonto aplicando estilos de capa (multiply, darken, screen, etc.), acentuando los contrastes con los niveles, manipulando la opacidad con máscaras, etcétera, etcétera.

Fíjate, por ejemplo, en lo mucho que cambia esta composición al aplicar una textura:

aplicar-texturas-cuervo

Para obtener este efecto solo tuve que aplicar un estilo de capa overlay a esta imagen:

textura-ejemplo

Por cierto, esta imagen la extraje de esta página, donde puedes encontrar muchos packs de texturas gratis.

4. Las sombras

Me costó lo mío, pero acabé descubriendo que las sombras no tienen por qué ser siempre una mancha plana y gris como aquí:

Con las sombras también se puede ser creativo:

sombra-gatos2

Otra imagen del proyecto en el que estoy trabajando estos días (seguro que ya estás intrigado. :D).

Tu intuición te dirá cuándo vas por el buen camino o cuándo se te está yendo la mano.

Conclusión

Y básicamente este es el resumen de mis últimas investigaciones y avances. El resultado de indecibles sacrificios. Horas y horas de funesto retiro frente a la pantalla del ordenador con la angustia mental como única compañera.

Bueno, no tanto. Pero de verdad creo que este tipo de cosas solo se aprenden a largo plazo, tras mucho investigar y practicar.

Espero que la guía te haya dado ideas y te haya ayudado a mejorar a ti también en tu proceso de aprendizaje.

Si quieres contribuir, deja tus trucos o últimos descubrimientos en los comentarios de aquí abajo. 

¡Hasta la semana que viene!


Cuándo usar Photoshop, Illustrator e InDesign

photoshop-bible

Año tras año, versión tras versión, se ha ido consolidando mi amor incondicional hacia Photoshop y mi convicción de que es lo más parecido de este mundo al ideal de “herramienta de diseño definitiva”.

Básicamente, con Photoshop se puede hacer todo lo que a uno se le pueda antojar hacer con una imagen: retocar fotografías, crear iconos, dibujar, editar vídeo, animar, crear gifs, generar código CSS desde mockups, maquetar pdfs, y un largo etcétera.

Lo que explica que a mí (y supongo que a muchas otras personas), siempre me haya “apañado”, sobre todo porque mi trabajo no depende del uso de ninguna de esas funciones en concreto, sino que más bien requiere un poco de aquí y otro de allá.

Y lo que explica también mi ignorancia sobre otras herramientas que están pensadas específicamente para algunas de esas ramas del diseño, lo que ofrece ciertas ventajas con respecto al uso de Photoshop.

Hasta que investigué para hacer este post no me había planteado que el diseño de pdfs no tiene por qué ser un infierno en vida, o que existe un mundo en el que no es necesario rezarle a la virgen María para que un trabajo impreso no salga pixelado.

En esta lista resumo las tareas esenciales para las que están optimizadas las herramientas de diseño más populares de hoy en día, es decir, en qué medida nos pueden ahorrar tiempo y frustración con respecto a otros programas no especializados.

1. Illustrator

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La función más popular de Illustrator es el diseño de imágenes vectoriales, es decir, de imágenes cuyo tamaño se puede ampliar o reducir sin que la calidad se vea afectada.

Aunque hay herramientas de Photoshop como la pluma con la que se pueden crear contenedores vectoriales, el resto de la imagen estará siempre formada por píxeles.

Si quieres estar seguro de que tu imagen mantendrá la calidad al escalarla, o si estás preparando un diseño para un trabajo impreso (para una camiseta, por ejemplo), es mejor que uses Illustrator.

  • Usos de Illustrator: logotipos, cenefas y patrones, ilustraciones, diseños para trabajos impresos

2. Photoshop

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Tal y como sugiere el nombre de la aplicación, Photoshop fue pensada para trabajar con fotografías, aunque con el tiempo se le fueron añadiendo funciones variadas que han hecho de ella una herramienta polivalente.

La ventaja de Photoshop sobre otros programas es la agilidad que ofrece al diseñador, que puede editar directamente los archivos, y organizar el trabajo en un sistema de capas que una vez dominado ofrece todo un mundo de posibilidades.

Sin embargo, a diferencia de Illustrator, Photoshop trabaja solo con píxeles, lo que quizás no suponga un inconveniente en muchos usos, como en diseño de imágenes para web, pero puede no ser lo más seguro cuando se necesitan acabados perfectos y figuras escalables.

  • Usos típicos de Photoshop: retoque fotográfico, diseño de imágenes para web, bocetos, gifs

3. InDesing

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Si vas a maquetar un pdf de una o dos páginas y tienes mucha práctica con Photoshop, quizás consigas un buen resultado con este software.

Pero si el documento tiene un volumen considerable, necesitarás algunas herramientas específicas para no acabar volviéndote loco, y puede que Photoshop no disponga de ellas, o no de la manera más apropiada para la tarea.

Indesign, en cambio, permite cosas como trabajar con layouts o diseños de página con estilos que se repiten y que puedes aplicar de manera fácil. También está pensado para facilitar la combinación de texto e imagen, por ejemplo, mediante la función de “text wrap”, o enlazando cajas de texto para que el flujo fluya y se adapte de manera dinámica cuando cambies la posición o el tamaño de los elementos.

En teoría, Indesign debería servirte para aglutinar todos los elementos que ya has diseñado previamente con otros programas más adecuados: las imágenes que has retocado con Photoshop, las ilustraciones vectoriales de Illustrator, las tipografías, etc.

De hecho, está preparado para contener archivos y tipografías sin que el peso de cada uno de ellos se sume al archivo madre en el que estás trabajando. Es decir, más que contenerlos, lo que hace es enlazarlos desde donde estén almacenados en el equipo.

Esta función, que también tienen los objetos inteligentes de Photoshop, supone algunas ventajas, como facilitar la coordinación entre varios diseñadores que trabajen sobre un mismo documento o sobre documentos similares.

Además, ya no necesitamos importar un mismo archivo cada vez que hagamos un cambio sobre él. Basta con editar el archivo de origen, y los cambios se reflejarán de manera automática en todas las composiciones donde esté enlazado.

  • Usos típicos de InDesign: carteles, folletos, revistas, pdfs en general

Cada maestrillo tiene su librillo

Las diferencias entre estos tres colosales softwares de edición van mucho más allá de las aquí explicadas, pero espero que este resumen te haya servido para descubrir procedimientos que ni siquiera te habías planteado, y que podrían ayudarte a enriquecer y facilitar tu trabajo.

Al final, cada uno usa las herramientas como le parece, pero en mi caso, ha habido ocasiones en las que la resistencia al cambio me ha hecho sudar la gota gorda solo porque me empeñaba en usar Photoshop y rechazaba aprender a usar otros programas más apropiados.


*Iconos de las aplicaciones extraídos de https://commons.wikimedia.org


Efecto doble exposición inspirado en los títulos de crédito de True Detective

El efecto doble exposición se usa en fotografía desde el inicio de los tiempos, pero últimamente lo he empezado a ver más a menudo en fotomontajes y producciones audiovisuales, como es el caso de los espectaculares títulos de crédito de la serie True Detective.

Estos días he estado experimentando con la técnica, y he comprobado que con Photoshop es fácil conseguir resultados originales incluso para un novato. Lo que más me gusta es que con solo dos imágenes y un par de herramientas se puede realizar composiciones muy variadas.

También me gusta no partir de un objetivo final claro, sino ir probando combinaciones sobre la marcha y ver a dónde se encamina el diseño.

En los ejemplos de este post he usado sobre todo:

  • La desaturación
  • Modos de fusión o blending modes de capas
  • Niveles
  • Máscaras

Para llegar a estos resultados:

cuervo ciudad ojo

mano-arboltren2Un ejemplo paso a paso

En este tutorial voy a explicar cómo apliqué el efecto en la imagen del cuervo. Por si te sirve de ayuda, aquí pongo una captura con las capas del trabajo:

capas-doble-exposicion

1.  Elegir las imágenes

Primero estuve un rato seleccionando en mi archivo imágenes que a primera vista parecían hacer buena pareja.

Aquí las posibilidades son infinitas. Puedes combinar imágenes que simplemente encajen por su composición, incluir motivos abstractos, o ir un paso más allá y tratar de reflejar un mensaje, por ejemplo, simbólico.

Mientras buscaba ejemplos en Google, vi que es muy común usar fotos de modelos como imágenes contenedoras en combinación con motivos paisajísticos o naturales para evocar emociones.

En mi caso tuve que hacer varias pruebas hasta que me di cuenta de qué combinaciones funcionaban y cuáles no. En el ejemplo de este tutorial, estas fueron mis dos imágenes de partida:

imagenes-doble-exposicion2. Recortar la imagen contenedora

Lo primero que hay que hacer es separar la imagen contenedora, en este caso el cuervo, del fondo. Esto es más fácil si el fondo es de un color plano, ya que en ese caso puedes usar la varita mágica sin más. Si existen irregularidades, el proceso tendrá que ser más manual. Puedes crear una máscara repasando el interior de la imagen con el pincel, o separar la imagen del fondo manipulando los canales.

efecto-doble-exposicion-a

3. Aplicar una máscara sobre la imagen interior

Ahora, en una nueva capa sobre la imagen contenedora, colocas la imagen interior. Luego seleccionas la imagen contenedora (con Ctrl + click en Windows), haces click en la imagen interior, añades una máscara, y la desvinculas de su capa haciendo click en el icono del eslabón.

Como puedes ver, ahora la imagen del árbol queda contenida dentro de la del cuervo de manera que se puede arrastrar a donde mejor encaje:
efecto-doble-exposicion-b

4. Duplicar la imagen contenedora y moverla arriba

Luego se desatura esta capa y se le aplica un modo de fusión multiply.

5. Aplicar máscaras y ajustar la opacidad con el pincel

A continuación apliqué máscaras sobre la capa relleno y figura2, y fui pintándolas con el pincel para retocar la opacidad hasta llegar a un resultado a mi gusto.

La idea es llegar al punto en el que tanto la imagen contenedora como la interior conserven los detalles importantes que las hacen distinguibles.

Llegados a este punto se puede decidir conservar casi todo el color de la imagen, dejar un tono sutil, o que predomine el blanco y negro.

efecto-doble-exposicion-c

6. Últimos ajustes

Para conseguir el mejor resultado se pueden hacer cosas como aplicar una capa para modificar los niveles y aumentar el contraste, o ajustar la transparencia de la capa figura2.

Este trabajo lo rematé con un “efecto viñeteado” como yo lo llamo, y aplicando una textura que da a la composición un aspecto envejecido.

La cuestión es ir probando recursos hasta que el motivo quede integrado con el fondo, y no dé la impresión de ser una figura recortable:

cuervo

Y básicamente esto es lo que he aprendido sobre el tema. Hay otras herramientas o técnicas que suelen encajar, como los mapas de degradado, o la inclusión de varias imágenes en el interior del motivo contenedor.

En fin, que hay muchas maneras de aplicar el efecto doble exposición con Photoshop para obtener buenos resultados, y solo se llega a ellas experimentando y aprendiendo con cada diseño.